ASIAN KUNG-FU GENERATIONのフロントマンであり、自らスタジオも主宰する後藤正文氏。そして数々の名盤を手がけてきたエンジニアの古賀健一氏。二人が静岡県藤枝市に立ち上げた新スタジオにて、DPA Microphonesの真価と、スタジオ設立に込めた熱い想いを伺いました。

後藤： 基本的には、インディーズのアーティストを支援するためのスタジオです。 もともと10年ほど前から古賀君と話していたんですが、都内でドラムを録音しようとすると、どうしても費用がかなりかさんでしまうんですよね。一方でレーベルの予算は下がってきていて、ドラム録音にかけられる時間がどんどん減っている。「これは作品作りとして大きな問題だよね」という話をずっとしていました。 そういう状況の中で、「しっかり時間をかけて作るなら地方にしかチャンスはないな」と思っていて。いつかどこかで作りたいと模索していたタイミングで、ご縁があってここ藤枝で支援者の方が見つかり、この建物を借りることができたんです。 

後藤： 場が鳴っているといいなと思っています。その場所固有の音があるので。都内の天井高が低い狭いスタジオだと、近隣への防音のために音を殺す（デッドにする）しかなくて、後からプラグインで響きを足す形になりがちです。 ルームアコースティック（部屋の響き）ってすごく大事なんです。MIXで必要なことなので、録るときにも大事にしたいですね。

古賀： 天井高を4〜5m確保しつつ、材質と角度を意識しています。

後藤： 壁を斜めにしてすぼむように下りてきている構造がすごくよかったと思います。反射を一回上に逃すような効果が得られているのか、シンバルの高域も嫌な痛さが一切ないんです。

ただ、正直「響き」って建ててみないと分からない部分なので…、結果的に満足できてよかったです（笑）。

古賀： 実際に、スネアの太い帯域（140〜200Hz付近）がしっかり残りますね。

後藤： それが意外とそうでもないです。東京からはもちろん、名古屋や大阪からも多いですね。今バンドのメンバーが各地に分散して住んでいるパターンもあるらしく、中間地点として利用されていることもあるようです。東京からも1時間くらいですしね。この価格帯でこの音が録れる場所は日本一じゃないでしょうか。 

後藤： はい。ソロのアコースティックギターの録音で「4015C（ワイドカーディオイド）」をステレオで立てて録ることが多いです。すっきりとした音質に感じます。色々なマイクを試してきましたけど、自分のアコギを録るならDPAが一番しっくりきますね。  

後藤： 変な色付けがない「無色透明さ」ですね。アコギを録音して一番がっかりするのって、高域がシャリシャリして耳が痛くなったり、必要な甘い帯域が抜け落ちたりすることなんです。とにかく目の前で鳴っているありのままの弦の音や胴鳴りを素直に拾ってほしいんですが、DPAは楽器本来のニュアンスをそのまま残せる信頼感があります。だからこそ、そういった音が求められる現場で使われているんだろうなと思います。 

古賀： 実は僕、最初は4006Aの良さがピンと来ていなかったんですよ（笑）。あまりにも音が自然過ぎて。当時はバンドの収録が多く、色を付けて録るのが仕事だったのでなおさらです。でも、イマーシブオーディオ（立体音響）や、実際の空間の響きをデータ化する「IR（インパルスレスポンス）」を取り始めるようになってから、「4006A」の真価に気づきました。「空間そのものをどうキャプチャするか」となった時に、脚色のないDPAの性能が絶対的に必要になるんですよね。「あ、このマイクでしか録れない空間の純正な響きがあるんだ」と気づいてから、概念が変わりました。それからは、もう手放せなくなりましたね。 

後藤： ライフワークとして、歴史的建築物など取り壊されてしまう建物の音響をデジタル保存するIR収録活動をしているのですが、そこでは4006Aが絶対必要になります。先日は大阪の「味園ユニバース」の収録をしましたが、とても喜んでもらえました。正式に残せば、世界中の人がその空間を使えるようになりますし、映画などでも活用できます。この活動は継続していきたいと思っています。

古賀： 僕が4006Aを3ペア持っていて、今回後藤さんが1ペア導入してくれたので、これで計4ペア使えるようになりました。かなり効率的に収録が進められると思います。

後藤： 藤枝で4006Aをどう使用するかはこれからみんなで開発したいと思っています。意外な場所で思いがけず面白い音が録れることもあるでしょうし、そんな発見がスタジオの歴史になっていくんだと思います。 

古賀： 僕自身、あえて定番マイクを使わないスタイルなんですけど、何より重要なのはマイクの性能以上に「演奏者の技術」と「楽器のチューニング」なんですよね。 

後藤：「いい曲を書いて、いい演奏をする」のが最優先です。まずは「演奏ありき」で、そこにどういうマイクを立てるかという順番だと思うんです。演奏やチューニングでいい音が出てないとダメ。だから現場でも「スネアのマイクを変えるのか、チューナーさんがスネアを変える方がいいのか」を話し合ってアプローチを決めていきます。 

古賀： そこを対等に話し合って進められるチームワークが大事ですよね。

後藤： その上で、アコースティックな楽器とかであんまり脚色したくない現場ってあるじゃないですか。そういう時にDPAはすごく性能がいいし、まっすぐ通ってくれるのがいいんですよね。 

後藤： プラグインに慣れた今の世代は「本物を触ったことがない」人が多いんです。実機を触ることで、コンプの掛かり方や音の仕組みを肌で学べますから。僕たちがどっぷり浸かってきたレコーディング文化を、次の世代へ手渡す場所にしたかったんです。

古賀： 技術伝承の場であり、若い才能を育てる場でもありますね。

後藤： アナログ機材は壊れたりする面倒くささもありますが、音楽って「一瞬の偶然をどう収めるか」だと思うんです。実機特有の個体差や機材の「ブレ」を愛せるかが大事で、これは「今日は雨だな」と受け入れる自然との向き合い方に似ています。ままならなさも含めて。都内の狭い部屋で響きを殺し、後からプラグインで響きを「捏造」する手法はヘルシーじゃない。その場の空気感や木の響きと直接向き合いたいんです。

今後、実機に触れたことがない、自分で録音をしたことがない人が増えていく中で、自分たちが経験してきたレコーディング文化や技術をしっかり伝承していきたいですね。 

本記事で紹介したインタビューの模様は、YouTubeの動画でもご覧いただけます。